Jaume Claret Muxart : « Nous avons casté 850 garçons »

L’été a déjà atteint son point culminant. Les jours deviennent nettement plus courts, l’automne est presque dans l’air. À ce moment précis, c’est aussi le décor du film de début du réalisateur catalan Jaume Claret Muxart, Strange River (critique cinématographique détaillée).
Le jeune homme de 28 ans a pris le temps de parler de son tout premier long métrage. À l’occasion de sa sortie en salles le 27 août 2026, il sera présent lors de projections à Berlin, Potsdam et Hambourg; à certaines dates, l’acteur Francesco Wenz sera également de la partie. Les dates exactes sont indiquées sur le site du distributeur Salzgeber.

Ton premier long métrage, Strange River, est souvent décrit comme poétique. Comment te définirais-tu toi-même sur ce plan ?
Je viens d’une famille d’artistes. Mes grands-parents étaient peintres. C’est pourquoi je me sens plus proche de la poésie que, par exemple, de la simple signification ou de la rationalité. C’est pour cela que tourner des films sous cette perspective poétique m’intéresse. Mais si je me voyais poète, j’écrirais des poèmes. Je suis néanmoins loin de cela. Pour moi, le cinéma ressemble davantage à la musique et à la danse qu’à la littérature. C’est comme écrire des partitions, pleines d’intensité et de rythmes variés.
Non seulement les personnages, mais aussi ton style est très poétique. Surtout au début, ton film ressemble presque à une peinture impressionniste à la Monet. Comment as-tu développé ce style ?
Dès l’âge de trois ans, je regardais souvent mes grands-parents travailler au studio. Mon grand-père utilisait énormément de couleurs. J’ai le sentiment que les films actuels utilisent peu la couleur. Or, la couleur est du rythme et de l’émotion. Lorsque j’ai tourné le film, je ne pensais pas à l’impressionnisme. Beaucoup de gens disent aussi que le film ressemble à des tableaux de Raphaël. J’ai plutôt tenté de saisir les petites vérités de la vie avec mon directeur de la photographie, Pablo Paloma. En parallèle, le montage est véritablement expressionniste. Il y a donc un contraste entre l’impressionnisme qui capte la vie et l’expressionnisme qui la raconte d’une certaine manière. Peut-être cela produit-il un contraste poétique.
Tu as 28 ans, donc tu as plutôt grandi avec les médias numériques. Pourquoi avoir choisi de tourner sur le vieil appareil 16 mm, presque nostalgique ?
Pour moi, ce n’est ni vieux ni nostalgique. (rires) À l’avenir, on verra sans doute davantage de films tournés en 16 mm. Nous vivons dans un monde d’images numériques, et il est tellement facile de prendre une caméra ou un téléphone et de filmer. Mais cela fait perdre une part de mystère et de tension. J’adore la plasticité du film 16 mm. Pour moi, il s’apparente davantage à la peinture. C’est de la lumière dans une forme organique — ce ne sont pas des zéros et des uns comme dans une image numérique. L’essentiel du film analogique est toutefois la tension qu’il crée sur le plateau. La concentration qui s’établit parce que tout le monde est présent, car nous ne tournons que deux ou trois prises par plan. Les acteurs savent qu’ils ne doivent pas commettre d’erreur. Bien sûr, ils en commettent, mais chaque prise porte plus de sens.
J’ai commencé à 19 ans à l’école de cinéma de Saint-Sébastien, à tourner en 16 mm. C’était comme une révélation, car pour chaque plan je devais fixer la durée exacte, n’ayant pas beaucoup de pellicule. C’était donc une sorte de montage avant le tournage. Cela aide énormément. Et puis, sur le tournage, tout s’ouvre et l’on voit comment le film et les scènes évoluent fortement.

« Strange River » est très mythologique. La figure d’Alexander, par exemple, m’a évoqué une nymphe des eaux.
Il n’y a pas beaucoup d’indications pour comprendre Alexander, car il est, en quelque sorte, une projection de Dídac. Quand j’ai pris conscience de cela, j’ai pensé que, par Alexander, je pouvais dépasser le naturalisme et atteindre des formes plus poétiques et cinématographiques. Grâce à Alexander, j’ai pu explorer le mouvement, l’eau, les couleurs et les rythmes. Bien sûr, il s’agit d’un personnage abstrait. Mais Francesco, l’acteur, avait besoin de quelque chose sur quoi s’appuyer. Il existe ce mythe de la sirène qui nous a aidés à moduler la tragédie de ce personnage. Nous avons toujours dit qu’il est comme un personnage qui, chaque été, tente d’aimer et d’être aimé. En réalité, il ressemble à la tragédie du mythe d’Undine. Pour nous, la réinterprétation de Christian Petzold était très importante — où la nymphe ne tue pas l’homme.
Il n’est pas certain qu’Alexander existe en tant que personne réelle. Mais est-ce vraiment important de savoir s’il existe ?
Non ! J’adore l’ambiguïté. En écrivant, il y a eu une phase où je me suis posé cette question à maintes reprises. Un jour, j’ai pris la décision de ne pas le savoir. L’intérêt d’Alexander, c’est qu’il est à la fois réel et non réel. Cette projection est aussi réelle que quelque chose qui n’est pas une projection. En quelque sorte, le personnage d’Alexander réunit donc les deux : réalité et non-réalité.
Tu as déjà réalisé un court métrage sur le Danube. Strange River y prend aussi place. D’où vient votre fascination pour ce fleuve ?
J’ai découvert le Danube autrichien avec ma famille à l’âge de onze ans. J’avais une image de lui : j’aimais ses couleurs, ce noir-vert. Pour moi, c’est un fleuve chargé de secrets et de tensions historiques, car beaucoup de guerres s’y sont déroulées.
À l’âge de 18 ans, j’y suis retourné et j’ai commencé à écrire le scénario. Soudain, j’ai vu qu’une grande route longeait le Danube et qu’on ne pouvait pas tourner à cause du bruit. Je suis allé jusqu’au début du Danube et j’ai trouvé une section bien plus belle que la partie autrichienne. Le fleuve s’élargit, la Forêt-Noire est à proximité. Cela a quelque chose de romantique.
Le court-métrage a été tourné au même endroit, mais en hiver. Je ne voulais pas le tourner en été, car j’avais peur de perdre l’ardeur pour tourner le long-métrage ici aussi. L’histoire du court est totalement différente. Strange River est plutôt un road movie.

Ce n’est pas qu’un road trip, c’est aussi uneComing-of-Age story — mais bien différente des autres. Quelle importance accordes-tu à faire quelque chose d’original ?
J’avais conscience des clichés habituels du cinéma Coming-of-Age après avoir vu tant de films dans le genre. Je voulais briser toutes les règles typiques et suivre d’autres voies qui n’appartiennent pas au genre. « Strange River » est ainsi devenu un « Flowing of Age ». Deux aspects des Coming-of-Age films que je voulais traiter différemment : d’une part la perspective. En général, un film de ce type se concentre fortement sur le protagoniste principal, le garçon ou la fille qui change. Je voulais que cela puisse se déplacer vers la mère, le père, le frère. Puis je ne voulais pas que le fait que Dídac soit amoureux d’un garçon crée un conflit avec les parents. Le conflit se situe chez Dídac lui-même, et il est plutôt existentiel. Il s’agit de savoir qui je suis et ce que je deviendrai. Dídac dit à son père : « Je n’aime pas les garçons, j’aime Gerard ». Cette phrase est très politique.
Comment l’entends-tu ?
Le film est en réalité intemporel. Mais les dialogues le placent clairement dans le présent. J’ai environ dix ans de plus que Dídac, et je n’avais pas connaissance de cette fluidité dans les relations. La génération de Dídac est différente — même si ce n’est pas le cas partout. Elle vit l’amour et le désir d’une manière plus organique. J’ai voulu montrer avec cette phrase que la distinction entre « gay » et « pas gay » n’est pas forcément primordiale aujourd’hui. Elle était peut-être nécessaire autrefois, mais Dídac se laisse plutôt porter. Cela montre aussi que le cinéma pour moi doit tendre davantage vers l’utopie que vers la dystopie. Car le cinéma peut être une projection de ce que nous pouvons améliorer. Et peut-être que la phrase est politique parce qu’elle peut choquer. Et si elle choque, elle invite à la réflexion. On peut discuter de cette phrase plus tard, sans penser au film.
Mais classifierais-tu néanmoins ton film comme un film queer ?
Oui, absolument. Je pense que le mot « queer » est le bon terme, car il véhicule plus d’ouverture. Par exemple, la relation de la mère avec les personnes et avec le monde est aussi vraiment queer. Elle emmène son fils dans une ville où tous les garçons flirtent entre eux — elle est une mère vraiment queer. Elle croit aussi au pouvoir du désir et à l’idée que le désir peut être un chemin d’éducation. Et puis elle se met soudainement à flirter avec une jeune femme du quartier.
Et la baignade est un motif important dans l’art homoérotique.
Récemment, il y a eu un autre film queer qui traite de l’eau : Last Night I Conquered the City of Thebes, de Gabriel Azorín, un ami très proche. Dans les deux films, l’eau, la queerité et les relations sont au cœur. L’eau symbolise un mode de vie plus fluide et plus corporel. On peut sentir l’eau et le vent. Ainsi, on peut plonger dans les émotions, les désirs et les sentiments qui y sont liés. Cela fonctionne plus facilement dans un paysage où le vent, l’eau et le soleil sont présents que dans un espace fermé. L’eau coule sans s’arrêter; elle ouvre d’autres chemins. L’eau, c’est la vie.
Ton acteur principal, Jan, est un jeune débutant et il était mineur lors du tournage. Comment as-tu géré ces sentiments complexes ? Il s’agit aussi d’intimité et de sexualité.
Nous avons auditionné 850 garçons. Jan était environ le 600e. Ce fut une révélation. Il n’y avait plus aucun doute après ces 600 candidatures. Et après cette décision, nous avons travaillé intensément, pendant trois mois, une fois par semaine. Nous l’avons entraîné pour lui donner plus d’assurance et développer un langage commun. Je pouvais mieux le comprendre et lui, moi. Il a été très courageux et résolu à s’améliorer. Et ce sentiment de sécurité sur le plateau est né, aussi parce que nous avons tous passé un week-end ensemble. Dans les scènes intimes, il n’y a pas de sexe, mais une tension réellement forte. Nous nous sommes préparés avec une coordinatrice d’intimité expérimentée. Elle a même dirigé certaines scènes, par exemple la scène de masturbation.
Je voulais que Francesco, qui joue Alexander, soit présent sur toutes les prises. Il est ainsi devenu presque un ami pour Jan. Cela a instauré une confiance mutuelle entre eux. Francesco est un acteur extraordinaire. Pour le jeune Jan, c’est précieux d’avoir un comédien aussi généreux et désintéressé à ses côtés.

Ton film a été présenté en avant-première à Venise il y a presque exactement un an et a remporté deux prix sur place. Il arrive désormais en Allemagne en salles. Est-ce facile pour toi de le relâcher ?
Difficile, oui et non. J’aimerais bien, mais en même temps il se poursuit dans les festivals et sort dans certains pays. Il faut toutefois le laisser partir, sinon je deviens fou. En ce moment, j’écris trois films, je prends des notes et je rédige des scènes. L’épreuve aujourd’hui, c’est de décider du prochain projet. Je n’aurais jamais pensé que ce serait aussi difficile.
La première version de « Strange River » l’ai écrite en une semaine. Cela venait de l’intérieur et je n’avais aucun doute sur le fait que le film devait être tourné. Aujourd’hui, je n’ai plus cette passion profonde. Je dois donc réfléchir soigneusement à ce qui viendra ensuite. Et je ne veux pas retravailler sept ans dessus. J’en choisirai probablement un projet que je peux réaliser en deux ans, pour plusieurs raisons: d’une part, j’adore tourner; d’autre part, l’argent compte aussi. Je veux tourner un film sur l’ambivalence entre l’amitié et le désir. Et il doit y avoir beaucoup de musique. Je veux être audacieux et filmer des scènes festives, même si c’est vraiment difficile.
« Strange River » est un film d’été. Quels sentiments le public doit-il ressentir à la sortie de la salle ?
Le film arrive au moment idéal dans les cinémas allemands. Il se déroule à la fin de l’été, au début de l’automne. C’est comme revivre une dernière fois les derniers jours d’été et se souvenir de l’été. J’aimerais que les spectateurs ressentent du calme et de la sérénité. Qu’ils se sentent liés à la nature et aux personnages. Car nous vivons à une époque où tout va extrêmement vite. Le film nous offre donc un moment de calme. Et j’aimerais beaucoup qu’il soit vu aussi par des parents avec leurs enfants. Peut-être peut-il changer quelque chose. Par exemple pour un père qui ne sait pas comment parler à son fils — le film pourrait peut-être l’aider un peu.