Le théâtre queer n’a pas besoin de se limiter à des histoires queer

Depuis 2011, la troupe viennoise Nesterval transforme des lieux de représentation atypiques en mondes parallèles et immersifs. L’ensemble se présente comme un théâtre populaire et queer. Il réunit des comédien·ne·s, des performeur·ice·s et des artistes drag; ensemble, ils transposent les classiques de la littérature et de l’histoire du théâtre dans le présent.

Lors du Festival International d’Eté sur Kampnagel, Nesterval est déjà à sa sixième venue et fête le 6 août la première mondiale de « Das Schiff » à bord du MS Stubnitz. Fin septembre, la Berlinade avec « Nestervals Eldorado » suivra, au Sophiensæle. Dans l’entretien, Finnland évoque des méthodes narratives et de travail queer, l’implication immersive du public et la gestion des biographies de personnes queer persécutées.

Si tu devais expliquer Nesterval à quelqu’un qui n’a jamais vécu l’un de vos soirées: à quoi s’attendre – et qu’est-ce qui distingue cela d’une visite théâtrale classique ?
András Siebold de Kampnagel a décrit Nesterval comme un théâtre pour des personnes qui n’auraient pas forcément l’habitude d’aimer le théâtre. Je trouve que c’est très pertinent. On peut imaginer un peu comme si l’on était soi-même partie d’un film ou d’un jeu vidéo: on suit différents personnages, on vit l’histoire sous plusieurs angles, et on est très près de l’action.

La plupart de nos soirées commencent par une scène d’ouverture où plusieurs personnages se présentent. Puis le public décide lui-même de qui il suit. Les personnages se déplacent dans le décor et se croisent. Si une autre histoire attire davantage, chacun peut à tout moment changer.

La plus grande différence avec le théâtre classique, c’est que nous percevons le public. Les spectateurs ne sont pas simplement une caméra qui observe l’action, ils sont vus. L’intensité de l’interaction dépend de chaque pièce. Parfois, on peut discuter avec une figure et négocier des choix. Dans « Nestervals Eldorado », le public devient par contre les pensées des personnages.

En réalité, la soirée commence même avant l’entrée dans le lieu. La scénographie, le vestiaire et l’accueil font partie intégrante du monde. Cependant, chacun choisit librement à quel point il s’y engage. Personne n’est ciblé ni obligé de se mettre à performer devant les autres. Cette forme de théâtre participatif serait pour moi insoutenable. Dans un cadre sûr, on peut toutefois explorer d’autres aspects de soi – et peut-être aussi suivre intentionnellement un personnage désagréable.

Votre nouvelle production « Das Schiff » se joue sur le MS Stubnitz. Dans quelle situation le public monte-t-il à bord ?
L’histoire commence en réalité 24 heures plus tôt. Le luxueux paquebot MS Nesterval a sombré. L’équipage s’est enfui et a laissé sur le navire en train de couler des passagers assez exigeants.
Dans le port de Hambourg, on recherche un navire de rechange. Le MS Stubnitz doit désormais transporter cette assemblée un peu fantaisiste jusqu’à Hawaii. Au tout début de la mise en scène, les spectateur·ice·s sont recruté·e·s comme nouvelle équipe, ce qui les rapproche fortement de toutes les sphères de la vie à bord.
Le spectacle mêle le lieu du rêve et la soap-opera du « Navire de rêve » aux rapports de pouvoir vus dans des films comme « Triangle of Sadness ». L’action se déroule en 1975; lors des recherches, la série DDR « Zur See » a aussi été une référence importante.

Qu’apporte, pour vous, le MS Stubnitz comme espace de jeu que n’offre pas une salle de théâtre traditionnelle ?
On prend le Stubnitz et on est immédiatement plongé dans un univers à part. Ses escaliers étroits, ses corridors tortueux et ses chaufferies ne pourraient pas être reproduits comme décor. En même temps, le navire représente la résistance, le punk et le fait d’être un lieu de vie pour des personnalités fortes – et c’est pourquoi il a tout de suite trouvé sa place chez Nesterval. Environ dix personnes y vivent en permanence. Elles assistent à nos répétitions et nous expliquent comment une véritable équipe de bord agirait. Nous sommes donc un peu en train d’apprendre la vie de matelots.

La nouvelle équipe rencontre des personnes habituées à être servies. Qu’est-ce qui vous intéresse dans cette rencontre – et le public peut-il aussi se mettre du côté de la société de yachts fortunée ?
À l’extérieur, les différences peuvent sembler immense. Mais les soucis, les peurs et les espoirs fondamentaux sont similaires: il s’agit de l’affirmation de soi, de l’amour et de l’espoir que les choses changent. J’aime voir que, malgré les différences évidentes, les gens se ressemblent davantage qu’on ne le croit au premier abord.
Le public peut en effet encourager et soutenir l’équipage de yachts, même s’il ne peut pas faire partie de cette société elle-même. Nous aimons que le public nous mette au défi. Il doit toutefois garder à l’esprit qu’une intervention percutante ne se transforme pas en perturbation. Nous faisons du théâtre-performance et non une expérience sociale.

Vous qualifiez Nesterval de « théâtre populaire queer ». Comment la perspective queer imprègne-t-elle « Das Schiff » – non seulement par le casting, mais aussi par l’histoire ?
À l’origine, il n’était pas prévu de constituer un ensemble entièrement queer. Comme je suis moi-même homosexuel et que, au départ, nous travaillions surtout avec notre cercle d’amis, la queerness était simplement le quotidien. Ce n’est que lors de « Die Namenlosen » à Vienne que nous l’avons mis au centre d’une mise en scène. Pour moi, cela représente une image de société idéale: la vie queer est si évidente qu’elle n’a pas besoin d’être expliquée sans cesse.

Dans « Das Schiff », un marin tombe amoureux du premier officier, tandis qu’une commissaire éprouve des sentiments pour la principale suspecte. Ces histoires se produisent tout simplement.

Cela vaut aussi pour nos castings. Un personnage féminin pivot peut être incarné par un homme sans que cela fasse de lui un personnage trans dans l’histoire. Ce n’est qu’un rôle d’acteur. Cela peut troubler le public les premières minutes. Si nous le faisons bien, cette inquiétude s’évapore rapidement et l’on ne voit plus que l’être humain qui est dépeint.

Y a-t-il aussi, pour toi, une manière spécifiquement queer de raconter ou de produire le théâtre ?
Oui, nous travaillons de façon assez hiérarchique. Il y a une direction artistique, et Nesterval n’est pas un collectif. En même temps, les performeurs sur scène ont une grande liberté pour tester et développer des éléments et se détacher partiellement de ce qui était initialement prévu.
Chaque soir peut être différent du précédent. Une personne peut dire: « C’est mon personnage, et ce qu’il fait maintenant n’est pas écrit dans le texte ». Cela représente une forme d’autonomisation. Pour moi, c’est un exemple de la façon dont on peut faire du théâtre queer aussi par la manière de travailler.

Je ne voudrais toutefois pas être réduit à raconter uniquement des histoires explicitement queer. Dans « Nestervals Eldorado », l’histoire tourne autour de la persécution vécue par les réalités queer. Sur le navire, la queerité fait partie de la vie mais n’est pas le thème central.

Il existe des thèmes queer que nous souhaitons explorer à l’avenir. Les réalités de vie pendant la crise du sida sont particulièrement importantes pour l’ensemble. En même temps, nous voulons pouvoir aborder aussi d’autres sujets sociétaux.

Chez Nesterval, des comédien·ne·s, des performeur·ice·s et des drag queens et kings montent tous sur scène ensemble. En quoi cela change-t-il votre travail ?
Notre ensemble regroupe des drag performeur·ice·s et des comédien·ne·s formé·e·s, jusqu’à des jeunes qui n’ont jamais monté sur scène auparavant. J’adore la liberté avec laquelle les drag performer·ice·s abordent les choses: ils apportent de la joie, tout en réfléchissant très précisément à ce qu’ils font et pourquoi.
Un avantage du théâtre immersif, c’est qu’il n’y a pas une seule grande figure centrale. Chaque personnage a sa propre histoire. Personne n’a besoin de se battre pour plus de temps de scène. Des personnes venant d’autres théâtres mettent parfois du temps à s’habituer à une collaboration aussi détendue. (rires)

À l’automne, votre Berlin débute avec « Nestervals Eldorado ». En traitant déjà, avec « Die Namenlosen », de la persécution des personnes queer au sein du Nationalsozialismus à Vienne et à Hambourg, qu’est-ce qui s’ouvre à vous avec Berlin ?
Pour Berlin, nous avons conservé le cadre de base, mais tout le reste a été rediscuté presque de zéro. Nos personnages se fondent sur plusieurs biographies réelles, dont beaucoup habitaient effectivement Berlin.
La pièce porte le titre « Eldorado » mais se situe dans le quartier de Scheunenviertel autour des Sophiensæle. Pour moi, ce qui était nouveau, c’est que tout Berlin des années 1920 n’a pas été flamboyant et « roaring ». Il y avait des quartiers d’ouvriers, de la pauvreté et des réalités de vie bien différentes – et même là, il y avait une vie queer.
La production berlinoise possède aussi une autre structure temporelle. Alors que la version viennoise de « Die Namenlosen » commence en 1938, l’histoire berlinoise débute déjà en 1934, après le putsch de Röhm – à une période où les lieux queer devaient fermer et où les persécutions s’accentuaient.
Nous voulons démarrer à Berlin là où cela fait mal même si doucement. Il s’agit de ce qui leur a été pris et de ce que la société a perdu. Cela tisse aussi un lien avec le présent. Nous racontons certes une histoire, mais ce n’est pas une pièce historique sur un passé complètement clos.

Les personnages s’inspirent de personnes réellement persécutées, mais ils sont reliés à la famille fictive Nesterval. Comment empêchez-vous de les exploiter pour un simple récit théâtral captivant ?
Notre idée de base a toujours été que nous ne revendiquons pas détenir une vérité historique unique. Nous cherchons à raconter une histoire qui n’est peut-être pas exactement vraie, mais qui pourrait l’être.
Cela ne peut se faire que grâce à une collaboration étroite avec des historien·ne·s. Ils lisent le texte et, sur la base de leurs retours, des éléments ont été modifiés ou retirés. Il y a eu des moments classiques de « tuer vos chères idées » où Andreas Brunner de QWIEN a dit : « C’est une belle idée, mais cela ne peut pas arriver comme cela ». Alors il faut être intransigeant.

Dans « Nestervals Eldorado », le public devient les pensées des personnages. Pourquoi avoir choisi cette forme ?
La décision de faire accéder le public aux pensées des personnages était très délibérée. Si les spectateurs incarnaient des personnes réelles dans cet univers, ils devraient nécessairement jouer la réalité avec. On aurait peut-être dû leur demander d’effectuer un salut hitlérien. Ce n’était pas notre intention.
Les pensées peuvent souffler à une figure encouragement et espoir. Surtout pour les personnages persécutés, c’était un effet très fort. Nous avions prévu que cela serait extrêmement dur de jouer ces rôles et de ressentir l’horreur si près.
Lors des premières représentations avec le public, nous avons toutefois constaté: on a les spectateurs à ses côtés. Ils souffrent avec, ils pleurent avec nous, et une énergie incroyable émane d’eux. Parfois, il suffit d’un toucher sur l’épaule après un moment tragique.
En tant qu’artiste, on tisse tout au long de la soirée un lien fort avec le public – et réciproquement. On n’est jamais seul. Ce sentiment peut et doit se prolonger bien au-delà de la soirée théâtrale.