Quelle importance accorde Kai Stänicke à un Berlinale-Teddy ?

Avec son premier long métrage, Kai Stänicke obtient tout de suite une invitation à la Berlinale et remporte un Teddy Award : pas mal du tout pour le réalisateur. Fort de ses propres expériences, il raconte dans « Der Heimatlose » l’histoire d’un jeune homme qui revient sur l’île de son enfance. Mais là-bas, il semble que personne ne le reconnaisse, ni sa mère ni son ami d’enfance (critique ciné de Jojo Streb).
Pour le lancement national en salles de « Der Heimatlose » le 27 août 2026, nous avons pris le temps de discuter avec Stänicke.

Monsieur Stänicke, toutes mes félicitations pour le Teddy Jury Award. Quelle est l’importance d’un tel prix pour vous ?
Le Teddy est très important pour moi et constitue une distinction merveilleuse. J’habite à Berlin depuis 17 ans et je suis un habitué de la Berlinale. Avoir son propre film dans le programme en tant que première mondiale était déjà extraordinairement excitant. Et comme aboutissement tout à fait spécial, il y a eu ce Teddy en plus.
Votre film évoque un peu un conte. Était-ce l’objectif dès le départ ?
J’ai toujours voulu le raconter de manière intemporelle et classique. De plus, je suis un grand fan de contes et d’histoires allégoriques, comme on peut le remarquer dans la structure du film. Notre héros doit passer trois épreuves, lors de trois jours de procès. Le cadre se situe sur une île perdue au milieu de nulle part, ce qui donne évidemment une dimension un peu féérique.
Comment recevez-vous les comparaisons avec « Dogville » de Lars von Trier, qui a lui aussi travaillé avec des décors quasi entièrement dessinés à la main ?
Je perçois la comparaison avec Lars von Trier comme un grand compliment — « Dogville » a été une véritable source d’inspiration. Nous voulions fusionner ce théâtre d’assemblage avec le paysage insulaire. Avec le chef décorateur Seth Turner, nous avons réfléchi à ce qu’il fallait vraiment pour raconter l’histoire comme je l’imagine. Quels murs avons-nous besoin de garder, et lesquels pouvons-nous faire tomber ? Le tribunal villageois était toujours pensé comme une sorte d’amphithéâtre, où ce procès se déroule comme une pièce de théâtre et comme un grand happening pour les habitants. Dans ce village, il n’y a pas de lieux de retraite, tout est exposé à l’appréciation des autres.
Qu’est-ce que la notion de patrie signifie pour vous ?
La patrie, c’est l’endroit où l’on peut être soi-même, où l’on se sent appartenir. Le film indique que la patrie ne peut pas être un endroit où l’on doit se voiler la face et où l’on ne peut pas être tel que l’on est vraiment. Il n’existe pas, comme on le dit parfois, de vie juste dans le faux. Pour Hein, le retour marque le début d’un voyage où il doit apprendre beaucoup sur lui-même. Il faut du temps pour qu’il voie ce qu’il peut ne pas vouloir voir. Et jusqu’à ce qu’il réalise que ce n’est pas la vie qu’il souhaite mener et qu’il porte déjà en lui. C’est la prise de conscience qu’il doit avoir à la fin.

Y avait-il une éventualité où le mystère ne serait jamais dévoilé ? Où tout serait laissé au spectateur ?
Non, le cœur queer de l’histoire a toujours été clair. Pourquoi Hein n’est-il pas reconnu ? Pourquoi les villageois se souviennent-ils différemment de lui ? La relation avec Friedemann a toujours été pour moi une voie vers cette expérience queer, un moteur pour atteindre cette sensibilité.
À quel point cette histoire est-elle autobiographique ?
L’histoire s’appuie sur ma propre expérience. J’ai grandi dans une petite ville de Rhénanie-du-Nord‑Westphalie dans les années 1990 et j’ai souvent eu l’impression de ne pas pouvoir être moi-même, et que des parts de moi ne m’appartiendraient pleinement que lorsque j’aurais déménagé dans des villes plus grandes. À chaque retour dans ce lieu, j’avais le sentiment de vivre une autre vie, une vie qui ne m’avait jamais vraiment appartenu et vers laquelle je ne pourrais jamais vraiment revenir. C’est de ce sentiment qu’est née l’histoire.
Le Friedemann du film existe-t-il aussi dans la réalité ?
Le Friedemann n’a pas réellement existé — du moins pas en tant qu’un seul personnage. (rit)

Comment avez-vous trouvé vos acteurs et actrices ?
Au moment du casting, Philip Froissant a interprété la scène de l’interrogatoire devant le tribunal, et il est devenu tout de suite clair que c’était Friedemann. Il a donné vie au personnage dès le départ et j’ai pour la première fois expérimenté avec lui ce qui était possible avec ce langage historique. Pour le Hein qui convient, nous avons repéré Paul Boche. On a tout de suite senti à quel point la chimie entre les deux fonctionnait. D’ailleurs, les barbes des hommes du film sont toutes réelles; même Philip, qui avait un autre projet en cours au moment du tournage, a laissé pousser sa barbe sur plusieurs semaines et je trouve que cela lui va remarquablement bien.
Comment s’est passée votre collaboration avec les acteurs et actrices ?
Nous nous sommes isolés durant une semaine avec les principaux interprètes dans une petite maison au bord du lac. L’objectif n’était pas de répéter des scènes, mais de créer des liens. Nous avons longuement discuté de tous les niveaux du livre et de la symbolique derrière de nombreuses choses. Cette connexion forte a rendu le travail sur le plateau bien plus fluide. Paul Boche est un acteur qui va vraiment loin dans ses recherches et veut comprendre le sens de chaque phrase et ce que j’y pense. Il est aussi entré dans ce rôle avec sa propre expérience.

On parle souvent de l’idée que les rôles queer ne devraient être interprétés que par des personnes queer. Est-ce encore d’actualité ou est-ce du passé pour vous ?
Je vois les choses sous deux angles. Je ne suis pas du genre à m’appuyer sur une histoire queer pour raconter quelque chose qui ne m’appartient pas. Je raconte dans ce film mon histoire personnelle et je ne veux pas me limiter dans la manière de le faire. Nous avons mené un casting ouvert, invitant toutes les personnes quelles que soient leur sexualité. Et c’est celui qui a le mieux incarné ce que je voyais dans le personnage qui a obtenu le rôle. Ce n’est pas non plus mon droit de demander qui aime qui. Cette question dépasse mes prérogatives. Surtout puisque tout peut encore changer à l’avenir.

À quel point obtenir des financements pour un sujet aussi rigoureux est-il difficile ?
C’était très difficile. Et cela a pris une éternité. L’idée du film date d’une décennie. Beaucoup de financements nous ont refusé, ce qui est presque un coup de grâce pour le projet. Allons-nous pouvoir le faire ? Y aurait-il une autre solution pour financer le film ? Finalement, mes formidables producteurs de Hambourg, Tamtam Film, ont trouvé une voie — mais seulement au prix d’un budget sous-financé et avec énormément de ténacité.
Le Teddy a-t-il eu un retentissement international ?
Oui, sans conteste : la Berlinale a suscité une grande attention. « Der Heimatlose » part désormais à travers le monde, participe à de nombreux festivals. Je revenais tout juste d’un séjour à San Francisco où nous avons également reçu un prix. Ensuite, des invitations à Irlande et en Nouvelle-Zélande se profilent.
Quel serait votre conseil pour les cinéphiles ?
Regardez-le. C’est un film qu’on peut voir et revisiter, et qu’on devrait absolument découvrir sur grand écran. Pour un rendez-vous amoureux, « Der Heimatlose » est aussi tout à fait idéal.